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Après ses humanités anciennes, Yves Deguelle remporte un premier prix de musique de chambre au concours national du Crédit Communal de Belgique.
En 1977, il entre au Conservatoire Royal de Bruxelles. Il y obtient les certificats finaux d'analyse musicale, de lecture et de transposition, les premiers prix d'histoire de la musique, d'harmonie écrite et pratique, de piano, de contrepoint, de fugue ainsi que les diplômes supérieurs de solfège et de musique de chambre.
Avec Robert Janssens, Guy Barbier et René Defossez, il étudie la direction d'orchestre, discipline pour laquelle il se voit décerner un premier prix en 1987. Yves Deguelle a ensuite dirigé de nombreuses oeuvres vocales et orchestrales à travers l’Europe.
Il est également professeur au Conservatoire Royal de Bruxelles.

y.deguelle @gmail.com

Le trompettiste et musicologue Niranjan Wijewickrema est lauréat du CRM de Bruxelles (1er Prix de Solfège, 1er Prix d’Histoire de la Musique, Diplôme supérieur pour le Solfège spécialisé), du CRM de Mons (1er Prix en Harmonie écrite), de l’IMEP (Licence en Musique) et de la Hochschule für Musik de Köln (Diplôme de musicien).Il achève ses études musicales par l’obtention du grade académique de Docteur ès Philosophie, conféré par la Hochschule für Musik de Karlsruhe (département de musicologie) pour sa thèse «Der Gebrauch der Trompete in den gedruckten Kantatenjahrgängen Georg Philipp Telemanns » (Promoteur : Dr. Dr. h. c. Edward Hankins Tarr) reçue avec la mention cum laude.
Sa carrière de trompettiste l’a mené à travers l’Europe, de la musique baroque (ex : 2ème Concerto brandebourgeois au Festival Ruhr-Klassik) à la création contemporaine (Ex : Opéra Pompier de Victor Kissine au Festival de Spa, Musique de scène de Catherine Verhelst pour Et de toutes mes terres rien ne me reste que la longueur de mon corps au Festival d’Avignon)
Il a enseigné dans plusieurs académies, à l’IMEP et donné des Master-classes à la International Summer Academy d’Alden Biesen ainsi qu’à la Bundesakademie für Weiterbildung de Wolfenbüttel (D), et est actuellement Visiting Professor au Koninklijk Conservatorium van Brussel.
Gradué en Marketing (ICC, Bruxelles), il a occupé diverses fonctions dans les secteurs public et privé en parallèle de sa carrière musicale

niwick @hotmail.com

Ce cours s’adresse aux hommes à partir de 15 ans.
Les conditions d’accès sont les suivantes :
- avoir une bonne oreille
- avoir une réelle motivation
Le professeur organisera un petit test de voix début septembre.
Le programme du cours comporte des œuvres polyphoniques de 2 à 6 voix d'hommes, qui sont extraites du répertoire de la Renaissance, du classicisme, du romantisme et du XXème siècle.
Dans ce cours, chaque élève porte une grande responsabilité vis à vis du groupe. Dès lors, l’assiduité et la ponctualité au cours sont impératives ; 80% de présences sont exigées.
Par contre aucun travail à domicile n’est demandé.
Chaque année, l’ensemble se produit en public dans un programme renouvelé à l’intérieur ou à l’extérieur de l’Académie.

Ce cours s’adresse aux jeunes filles à partir de 14 ans jusque 30 ans.
Les conditions d’accès sont les suivantes :
- avoir une bonne oreille
- avoir une réelle motivation
Le professeur organisera un petit test de voix début septembre.
Le programme du cours comporte des œuvres polyphoniques de 2 à 6 voix de femmes, qui sont extraites du répertoire de la Renaissance, du classicisme, du romantisme et du XXème siècle. Dans ce cours, chaque élève porte une grande responsabilité vis à vis du groupe. Dès lors, l’assiduité et la ponctualité au cours sont impératives ; 80% de présences sont exigées. Par contre aucun travail à domicile n’est demandé.
Chaque année, l’ensemble se produit en public dans un programme renouvelé à l’intérieur ou à l’extérieur de l’Académie.

L’ensemble est ouvert à tous les instrumentistes, à partir du niveau Q1 – entre 13 et 18 ans, désireux de partager une expérience collective, de découvrir de nouvelles œuvres, de jouer avec, mais aussi pour les autres et de pratiquer ainsi la musique de manière vivante ! Le travail, basé sur l’apprentissage "d’oreille"comportera une approche rythmique et abordera aussi la composition, l’improvisation, la recherche d’arrangements et l’exploration de nouvelles sonorités. Ce projet collectif implique la présence régulière de tous les musiciens tout au long de l’année ainsi que leur engagement dans les différentes activités (concerts, WE de travail…). Un petit test des différentes compétences requises est prévu en début d'année pour les nouveaux inscrits, avec réorientation vers Musicaloreille si besoin en était .

Le cours s'axera principalement autour d'un travail rythmique corporel et un apprentissage des musiques à l'oreille.
Une part du cours fera également place à l'improvisation et à la composition collective.
Un accent sera mis sur le travail du son dans le groupe et du groupe lui-même, sur la cohérence et la place de chaque instrument au sein d'un ensemble ouvert à tous à partir de F4. Idéalement, ce cours devrait servir de pré-formation au groupe "Syrinx".

Une présence très régulière et une implication personnelle sont requises afin de mener à bien le travail d’équipe. L’objectif recherché est la participation à des concerts échelonnés sur l’année scolaire.

ANALYSE et écriture (Classe de Vincent De Boever):

Écriture et arrangement «les clés de la musique»

• Écouter, lire et déduire les principes fondamentaux du langage tonal
• Pratiquer à l’instrument les notions vues
• Arranger et harmoniser des mélodies
• Composer et jouer

• Écrire, étape par étape, des exercices à 3 et 4 voix
• Comprendre les bases du langage tonal (grammaire)
• Illustrer par des extraits du répertoire

• Oeuvres choisies par la classe (exploration des pièces vues aux cours d’instrument, ou au programme d’un concert, etc.)
• Plusieurs pièces ou extraits seront choisis par le professeur pour l’étude d’éléments spécifiques (genre, forme, cadence, modulation, imitation, etc.)

Par l’écoute et l’analyse d’extraits musicaux, les liens établis avec d’autres formes d’art, le but du cours d’histoire de la musique est d’aider l’élève à élaborer des outils qui lui permettront d’appréhender la diversité des styles musicaux au fil du temps et de par le monde.
La partie « survol » a pour premier objectif de passer en revue les grandes étapes de l’histoire de la musique, depuis l’Antiquité jusqu’au 20e siècle. Elle prépare aux heures « coups de coeur » qui sont, elles, destinées à approfondir certaines thématiques et périodes particulières (littérature et musique à travers l’histoire, paysage sonore des 20e et 21e siècles,…).
Aucun travail de restitution ni d’examen ne sont programmés ; l’évaluation sera établie sur base de la présence et de la participation aux cours.

• initiation à l’instrument baroque
• introduction aux techniques d’exécution historique (Historic informed performance)
• travail technique visant l’acquisition et le développement du registre aigu.
• Etude en pupitre des grandes œuvres du répertoire

La chalemie et la bombarde, ainsi que les cromornes, flûtes, dulcianes et trombones font partie de l’instrumentation des musiciens des villes que l’on retrouvait un peu partout en Europe (Stadtpfeifer, stadsspeellieden, ministriles, piffari). Peu de pièces du Moyen Âge nous sont parvenues car la musique instrumentale était en grande partie improvisée sur des mélodies à la mode tels que l’homme armé, La Morra, Tandernaken ou La Spagna. A partir de la Renaissance nous retrouvons beaucoup plus de traces écrites. Le répertoire des vents se composait de motets, madrigaux, chansons et danses et était joué lors de concerts publics, joyeuses entrées, processions profanes et célébrations.

La chalemie est un instrument à vent à anche double, ancêtre du hautbois, très répandu Moyen Âge (XIIe et XIIIe siècle) et à la Renaissance, originaire de l'Espagne musulmane et cousin des Mizmars, Zourna et Ghaitas. Aux XIVe et XVe siècles on retrouve la chalemie dans des formations de ‘hauts instruments’ ou Alta Capella: deux chalemies et une bombarde (ou trompette à coulisse). Au XVIe siècle, on commence à l'utiliser en consort (ensemble de plusieurs tailles du même instrument), mais aussi dans des ensembles se composant d’un cornet à bouquin, de deux bombardes, d’une sacqueboute et d’une dulciane basse.

Instrument qui apparaît vers le milieu du XVIe siècle. L’invention de ce basson, où le tuyau était replié sur lui-même en ‘U’ permettait de diminuer de moitié la longueur des instruments à anches doubles et d’obtenir un son plus doux. La dulciane permet de jouer le répertoire polyphonique de la Renaissance, ainsi que le répertoire du XVIIe siècle (Schütz, Marini, Monteverdi).

Cet instrument à vent à anche double trouve son origine dans la chalemie des XVe et XVIe siècles. La chalemie était faite d’une seule pièce et avait une sonorité puissante.
Vers 1660 apparaît en France un instrument construit par J. Hotteterre et J. Philidor, plus doux et plus facile à contrôler, qu’il devient possible d’associer aux violons et qui est adopté avant la fin du XVIIe dans les autres pays. C’est la première forme du hautbois actuel, composé de trois pièces, en buis joliment façonné et décoré d’ivoire, avec deux clés.
À l’époque de J.S. Bach, le hautbois est déjà devenu un instrument extrêmement raffiné.

En regard de l'extraordinaire richesse iconographique consacrée aux instruments à cordes, les percussions font tristement figure de parent pauvre. Il est vrai que Charles Perrault, dans son Cabinet des Beaux Arts avait exclu la percussion de l'art sonore, parce que, disait-il, " ce sont des instruments qu'il ne faut que frapper pour en jouer et dont le ton ne varie point ". Opinion péremptoire et qui méconnaît singulièrement le rôle du rythme dans la musique.
La documentation iconographique est surtout importante pour l'orchestre, la musique militaire et la danse. Cependant, l'on trouve des percussions dans la plupart des catégories d'œuvres précédemment citées, allégories, natures mortes, vanités, sujets religieux ou mythologiques et même portraits.

Le cours de pianoforte s'adresse à tous : débutants, élèves avancés et musiciens confirmés.
Aux tout débutants il permet d'acquérir une technique de base de clavier qu'il ne sera pas difficile de transposer sur d'autres instruments.
Aux élèves plus avancés, déjà inscrits dans un autre cours ( clavecin, orgue, piano ) nous proposons de perfectionner finesse de jeu, position de mains et palette sonore par la pratique d'un instrument au clavier particulièrement sensible, sans oublier une approche approfondie du style classique (articulations, ornementations etc... ).
Pour en profiter pleinement il suffit d'être à l'aise dans les petites pièces de style ( Anna Magdalena Bach ) souvent données dans les premières années des cours de clavier.
Aux musiciens confirmés, nous proposons une approche personnalisée de l'époque classique, de Carl-Philip-Emmanuel Bach à Schubert.
En résumé le cours de pianoforte s'adresse à tous les amoureux du clavier quelque soit leur niveau.

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On trouve des traces du luth dans les civilisations babyloniennes ainsi que chez les Egyptiens et dans l'Asie antique. Il fut introduit en Europe à partir du IXe siècle lors des invasions arabes. Le luth arabe « Al Ud » (le bois) est bien sûr à l'origine du vieux français « lut ». Dès le Moyen Age, le luth est devenu le symbole de la musique dans le monde occidental. Sa sonorité délicate le prédispose aux « concerts célestes », joués par les anges. Vers la fin du XVe siècle, le plectre est remplacé par les doigts, technique qui va contribuer à l'essor de la polyphonie instrumentale.
Au XVIe siècle, le luth devient l'instrument de prédilection. Il participe toujours aux fêtes aristocratiques, à l'accompagnement des chanteurs, se mêle aux autres instruments et aide à diffuser les chansons polyphoniques. En créant des formes nouvelles, les luthistes comme F. da Milano «il divino» atteignent la pure méditation musicale.
Au début du XVIIe siècle, une bonne éducation ne se conçoit plus sans l'apprentissage du luth. Les virtuoses comme Gaultier « l’ancien » cachent jalousement les subtilités de leur technique et de l'ornementation et s'expriment de manière plus théâtrale. Avec le développement du nouveau style de l'opéra en Italie, le théorbe et ses frères l'archiluth et le chitarrone, aux graves plus puissants dans la réalisation du continuo, sont en rivalité avec le clavecin.
Malgré son déclin, le luth poursuivra son histoire au XVIIIe siècle en Allemagne. Les derniers luthistes comme Sylvius Leopold Weiss pousseront, dans un style galant, aussi loin que possible la technique de leur instrument et nous laisseront un abondant répertoire de diverses sonates, divertimentos et concertos pour luth et cordes.

Le terme violone vient de l’italien et signifie « grande viole ». Historiquement il ne désigne rien de plus qu’un «instrument grave à cordes frottées», qui peut être à trois, quatre, cinq ou six cordes accordées régulièrement ou irrégulièrement en tierces, quartes ou quintes, en 8’ ou en 16’ (soit à la même octave que le violoncelle ou que la contrebasse) et ressembler à un gros violon ou une grande viole.
Le « violone en sol » est, aux XVI° et XVII° siècles, l’instrument basse de la famille des violes. Il sonne en 8’ pieds, c’est à dire à la même octave que le violoncelle. Il est accordé une quinte en dessous de la basse de viole et est l’instrument idéal pour la partie de basse d’un consort renaissance (en Angleterre par exemple) ou d’une basse continue baroque.
Il a également un rôle d’instrument soliste dans la musique italienne du début XVII° et allemande durant tout le XVII°. Il ne sera supplanté par la basse de viole et surtout le violoncelle qu’à la fin du XVII° lorsque l’invention de la corde en boyau filée permet de faire des sons aussi grave avec des cordes plus courtes sur un instrument de plus petite taille et donc plus maniable.
Johann-Sebastian Bach préfère toutefois le violone dans plusieurs de ses compositions pour ses qualités sonores : un son puissant et large, capable de soutenir tout un ensemble, voire un petit choeur.
Venez découvrir le violone en sol trop longtemps mis de côté dans la redécouverte des instruments anciens.

Trouver l’origine de la contrebasse n’est pas chose aisée. En effet, au XVII° siècle, lorsqu’on commence à vouloir ajouter un instrument à l’octave grave, c’est souvent l’instrumentiste lui-même qui construit l’instrument qu’il lui faut. Cela engendre donc une diversité dans la facture de l’instrument qui prête à confusion. On trouve des contrebasses de trois à six cordes, avec des accords très différents selon le pays et l’époque. Il est parfois difficile de savoir si l’instrument tient plus du violon ou de la viole.
Ce n’est qu’au milieu du XVIII° siècle qu’un semblant de cohérence commence à apparaître, peut-être due au fait que, au sein de l’orchestre classique, plusieurs contrebasses jouent ensemble. Aujourd’hui encore, de grandes différences subsistent, l’instrument n’est pas normalisé comme le sont le violon ou le violoncelle.
Instrument social par excellence, la contrebasse est un instrument de renforcement de la basse continue et trouve son épanouissement principal dans l’orchestre. Toutefois, l’époque classique a vu des musiciens qui ont poussés la technique de l’instrument très loin dans la virtuosité, ce qui a engendré un répertoire soliste non négligeable (J.B. Vanhal, K. Dittersdorf, W.A. Mozart, J. Haydn, …).
L’instrument que nous aborderons sera copié sur son homologue moderne, une contrebasse à quatre cordes, accordée en quarte (mi, la, ré, sol ou ré, la, ré, sol) et avec l’archet « français » (main sur la baguette). Dans un second temps, on peut aussi aborder le violone classique (contrebasse à cinq cordes accordées fa, la, ré, fa#, la, utilisée à l’époque de Mozart), l’archet « allemand » (main sous la baguette) ou d’autres variantes.

• la diction: prendre la parole
• la déclamation: interpréter un texte
• le jeu dramatique: jouer collectivement

Par une approche ludique de la création en mots et en mouvements, ce cours éveille la curiosité et l’imagination. Il permet de découvrir diverses facettes de l’expression et de la communication. Il développe l’aptitude au travail en groupe, le sens critique, la précision, l’ écoute sensible et l’expression. Les élèves seront amenés, à présenter publiquement un SPECTACLE, fruit de leur travail.
Création et présentation publique d’un spectacle.
L’inscription à l’atelier Poésie-Théâtre implique un travail de groupe nécessitant ponctualité et présence régulière de chacun à chaque cours, aux séances de répétition et à la représentation publique.

Prendre la parole en public, apprendre à s’exprimer avec aisance, à susciter l’attention, maîtriser la prononciation, pouvoir répondre vite, affirmer sa personnalité.
S’entraîner à des exercices pratiques de prise de parole: exprimer ses opinions, structurer sa pensée, faire des discours, improviser, être interrompu, jeux de rôles, rentrer dans une discussion, tromper l’ennui.

Création et présentation publique d’un spectacle.
L’inscription à l’atelier Poésie-Théâtre implique un travail de groupe nécessitant ponctualité et présence régulière de chacun à chaque cours, aux séances de répétition et à la représentation publique.

Interprétation de textes poétiques, comiques, dramatiques…
Conter et raconter.
Découvrir la poésie et l’interpréter.
Développer son goût artistique par la découverte de textes littéraires.

https://www.youtube.com/watch?v=ParWGW24rZk

Apprendre les techniques du théâtre, interpréter des rôles, jouer dans un spectacle.
La ponctualité et la présence régulière sont indispensables, ainsi qu’une réelle motivation et la volonté de construire ensemble un travail.

Découvrir votre imaginaire. Retrouver votre âme d’enfant. Découvrir le jeu par le corps. Découvrir votre voix.

Pratiquer la danse contemporaine c'est exercer l'art d’innover. Il s’agit de réinventer sans cesse le mouvement dansé. Les élèves étudient des techniques qui ont pour but de valoriser le mouvent en fonction du corps et de la personnalité propre à chacun(e). Les sensations, les matières et les énergies que l'on met en mouvement font la beauté et la force émotionnelle de cette danse.

Les fondamentaux de la danse contemporaine reposent sur le principe du poids (jeux d’allègement, de relâché, balancé, équilibre,déséquilibre, chûtes, sauts,... ). Le danseur entre dans un mouvement fluide et organique en totale harmonie avec son corps. Ce principe, fait de cette danse une discipline très respectueuse pour le corps.

Les choix de musiques sont très éclectiques et peuvent aller de la musique baroque à la musique électronique. Elle demeure en outre un support pour l'imaginaire tout en étant un outil pour le rythme et le mouvement.

Le cours est composé de plusieurs exercices techniques et se poursuit par l'étude d'une chorégraphie. Les exercices au sol, par ailleurs très ludiques pour les enfants permettent en premier lieu, de se réveiller et de se préparer au mouvement, puis, progressivement, le corps peut ainsi se construire sur la verticale afin de le rendre parfaitement disponible au mouvement et à son interprétation pour une chorégraphie.